Artistas: Ibon Aranberri, Mariajosé Gallardo, Curro González, Carmen Laffón, Cristina Lucas, Priscilla Monge, Pedro Mora, Olaf Nicolai, MP & MP Rosado

Siguiendo la tradición del “arte en espacios públicos”, se presentan piezas escultóricas, intervenciones e instalaciones que han sido ubicadas en diferentes espacios del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Se trata de una muestra compuesta por obras compradas, donadas o depositadas, junto a otras que ya pertenecían a la colección permanente del museo. Este proyecto va más allá del histórico parque o jardín escultórico (que sigue, por ejemplo, el bien conocido Museo Kröller-Müller de Holanda), para situarse más bien en la estela del Proyecto Escultórico de Münster, que tiene lugar en esta ciudad alemana cada diez años, basado en intervenciones específicas realizadas por artistas invitados para espacios concretos cargados habitualmente de diversos significantes. Otro de los objetivos de este conjunto es que el visitante conozca los amplios espacios exteriores del CAAC sin perder la perspectiva contemporánea del museo. El recorrido se extiende por las praderas, patios y espacios interiores del antiguo monasterio, huertas y jardines, algunos lugares insólitos y poco visitados habitualmente.

PEDRO MORA
Bus Stop, 2001
Parada de autobús

Instalación. Acero inoxidable pulido, neón y cristal 212 x 359,5 x 210 cm
Obra restaurada con la colaboración de TUSSAM
PUERTA DE TIERRA

Pedro de Mora (Sevilla, 1961) es capaz de nutrirse de las sociedades que habita y desarrollar su lenguaje en torno a ellas. Su obra se mueve rápidamente de unas preocupaciones a otras, desplegando un trabajo difícilmente clasificable. No obstante, no sacrifica en este tránsito el componente visual de sus propuestas, poseyendo un estilo definido.

En Bus Stop intenta poner en cuestión los límites entre el arte y lo cotidiano al sacar su obra del espacio restringido del museo y llevarla al ámbito público urbano. Invierte de este modo la estrategia de Duchamp, quien introdujo en el museo objetos ajenos a él. Mora despoja al museo del arte, reinsertándolo en una trama viva de experiencias ordinarias con la idea de desarrollar una estética del siglo XXI en el ámbito de lo cívico y lo cotidiano. Esta obra altera el concepto clásico de monumento, ya que empleando materiales nobles propios de la escultura, crea un prototipo singular de mobiliario urbano para ser utilizado como lugar social para el descanso o el encuentro; convirtiendo al usuario en parte activa de la escultura.

[VOLVER AL MAPA]

CRISTINA LUCAS
Alicia, 2009

Instalación. Técnica mixta. Poliestireno y pintura
180 x 120 x 85 cm. (cara); 367 x 120 x 180 cm. (brazo)
PABELLÓN REAL

La artista Cristina Lucas (Jaén, 1973) inició su obra en el campo del happening y las acciones, pasando después a realizar instalaciones, fotografías, vídeos y dibujos.

Centrada en la crítica de género y de las estructuras culturales y de poder, utiliza la metáfora y la sátira para crear sensaciones ambiguas en el espectador, siempre desde un punto de vista feminista, aparentemente inocente.

Alicia representa una figura gigante cuyo rostro y brazo derecho escapan por las ventanas de una habitación donde parece haber quedado atrapada. La artista se inspira y reinterpreta el pasaje del libro de Lewis Carrol Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, en el que la protagonista, atraída por la curiosidad, come de un pastel con la palabra escrita “CÓMEME” y crece sin control, en este caso hasta que no cabe en la habitación y tiene que sacar un brazo por una ventana.

De esta forma nos trae la inquietante fantasía del conocido libro al espacio real de La Cartuja, aludiendo a la reclusión tanto física como psíquica de la mujer como forma de opresión, atrapada en el espacio de su casa.

Interactivo · En su sitio

[VOLVER AL MAPA]

CURRO GONZÁLEZ
Como un monumento al artista, 2010

Bronce policromado sobre pedestal de acero cortén,
instalación audiovisual (sonido, grabación vídeo mediante
cámara de seguridad, monitor) 325 x 100 x 150 cm.
PASEO DE LAS JACARANDAS

Bajo la apariencia de un trabajo escultórico convencional, y con una lectura que incide en clave irónica en la controversia que desde el romanticismo viene desarrollándose en torno a la noción de artista, Curro González (Sevilla, 1960) ha ideado una instalación con elementos sonoros y visuales que interactúan con el público. En ella nos ofrece una versión del artista que, representado como hombre-orquesta se enfrenta a la “Puerta de la Fama”. Metáfora que recoge la idea de que su fin último es la consecución del éxito que garantice su paso a la posteridad.

No obstante, la situación inicial queda alterada cuando el público traspasa la puerta, siendo sorprendido por el sonido de una fanfarria, intercambiándose así los papeles en este juego de reconocimientos. Además, los visitantes son captados por una cámara situada entre los instrumentos musicales del artista-hombre-orquesta, pudiendo verse en un espacio adyacente y pasando a formar parte de la obra por un instante. De esta forma González crea un cruce de conceptos y de visiones entre el espectador y el artista.

Interactivo · ¿Conoces 'Como un monumento al artista'?

[VOLVER AL MAPA]

MARIAJOSÉ GALLARDO
Ranking de peticiones marianas, 2013

Óleo y pan de oro sobre lienzo
Varias medidas
CAPILLA DE SANTA CATALINA

En esta obra exhibida en la capilla de Santa Catalina, nos encontramos con 59 pinturas de pequeño formato que en conjunto forman una media luna en torno a una imagen de la Inmaculada del primer tercio del s. XVIII.

Si nos acercamos a la pieza descubriremos que en cada pequeño cuadro aparece un fragmento de naturaleza o de cuerpo. Ubicados alrededor de la imagen religiosa como exvotos en una capilla de devoción, vemos estas peticiones marianas que mantienen la tradición en color y forma pero no en lenguaje pictórico.

[VOLVER AL MAPA]

MP & MP ROSADO (San Fernando, Cádiz, 1971)

La intimidad, 2002
Terracota, pigmentos y cera

Ventanas iluminadas, 2005
Madera, pintura e instalación eléctrica

PATIO DE PRIORAL

Para Miguel Pablo y Manuel Pedro Rosado Garcés, autores de estas dos obras que funcionan como una sola instalación, su condición de gemelos ha determinado positivamente buena parte de sus realizaciones, ya que el tema de la identidad resulta de capital importancia en su producción, dotándola de un trasfondo psicológico y filosófico profundo. Por ello, sus esculturas, como esta que se apoya sobre la pared bajo el título de La intimidad, suelen ser autorretratos, pero... ¿de quién? Dicho juego, se intensifica al comprobar que las dos máscaras humanas (hay una tercera de una fiera o lobo) coinciden con los rasgos fisonómicos del personaje. La palabra «persona» tiene su origen en el griego clásico, significaba «máscara de actor». Así que quizá todos seamos un actor representando su papel detrás de una máscara. La intimidad sería, por tanto, aquello que sucede y ocultamos tras el rostro (cara, careta, máscara).

De igual forma, en Ventanas iluminadas, estos artistas nos ponen ante el misterio de lo humano. El escritor argentino Roberto Arlt se preguntaba en mitad de la noche quién estaba detrás de las luces de los edificios. ¿Cómo serán sus habitantes?, ¿a qué se dedicarán?, ¿qué estarán haciendo ahora que veo su rastro de luz?... Es de nuevo el gran asunto de la alteridad, la cual es definida en nuestro diccionario como «condición de ser otro». Efectivamente, el arte nos hace pensar y preguntarnos cosas, o sea, el principio básico de la Filosofía.

[VOLVER AL MAPA]

PRISCILLA MONGE
What is Real?, 2004
¿Qué es lo real?

Instalación. Ladrillos de cerámica
30 x 800 cm. (ladrillos de 3,2 x 2 cm. c/u)
CLAUSTRÓN NORTE

Priscilla Monge (San José, Costa Rica, 1968) realizó esta intervención en el marco de la I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla específicamente para el lugar donde permanece, una de las huertas de los monjes del Monasterio de La Cartuja.

What is Real? consiste en un pequeño muro de ladrillos de cerámica en miniatura que, meticulosamente construido, atraviesa toda la huerta. La autora lo ha situado intencionadamente delante de la morera que ocupa el centro del patio con la pretensión de, provocado por la desigual relación entre ambas escalas, crear el desconcierto en el visitante.

Con ello, y sin perder de vista el título de la obra, la artista cuestiona nuestra perspectiva de la realidad; la pared tiene la altura de un libro, es fácil de saltar pero al mismo tiempo constituye una barrera. Así, esos minúsculos ladrillos nos parecen de repente grandes, gigantescos, y luego otra vez pequeños, como si tuviésemos que transportarnos de nuevo a la perspectiva de un niño que juega en el suelo. Grande o pequeña, en ambos casos la pared no es más desproporcionada que nuestra relación sensitivo-corporal con ella.

[VOLVER AL MAPA]

IBON ARANBERRI
Found Dead, 2007 - 2011
Hallado muerto

Bloques labrados de piedra arenisca y réplicas huecas de DM
Dimensiones variables
HUERTA 7

Found Dead surge como una extensión de las líneas de trabajo que bajo formatos y medios múltiples el artista Ibon Aranberri ha desarrollado en los últimos años. A diferencia de otros episodios de su trayectoria en los que la sala de exposiciones sugería un espacio de consulta, aquí, el ejercicio de la exposición adopta su propio arquetipo, configurándose como un objeto en sí mismo, una construcción autónoma que regresa al formalismo de la escultura.

En este caso, lo escultórico acaba condensándose en una entidad opaca; los orígenes que la han inspirado quedan anulados en un simulacro formal con la resonancia de su propia definición académica. Así, se escenifica la irreversibilidad entre una funcionalidad simbólico-transmisora de la escultura clásica y el hermetismo autoreferencial de la escultura abstracta, paradigmática de la tradición moderna. Found Dead es una forma muerta, una negación de la posibilidad narradora.

Es una actitud común en el trabajo de Ibon Aranberri delimitar su referencialidad en un contexto doméstico. Aquí, el resultado es consecuencia de un efecto colateral, un encuentro imprevisto de una aproximación in-situ, dentro de una mecánica de “trabajo de campo” enfocado a otros objetivos. Un monolito repetido que aparece varias veces como un accidente en el camino.

[VOLVER AL MAPA]

CARMEN LAFFÓN (Sevilla, 1934-2021)
La cuba, 2011

Instalación. Hierro, bronce, pintura y elementos naturales. 150 x 500 x 250 cm
HUERTAS

Esta instalación es un testimonio muy interesante de la producción de Carmén Laffón, figura capital de la pintura española de nuestro tiempo. Su pintura y su dibujo tenían una factura única, capaz de crear atmósferas sutiles y evanescentes. Con ellas construyó una visión lírica de la realidad muy personal. Por la propia consistencia física del arte de la escultura en sí, dicha «desmaterialización» resultaba incompatible con el medio. Sin embargo, es precisamente en la escultura, donde mejor podemos apreciar, como decantado, sin la sugestión de esa delicadeza de facturas y trazos antes apuntada, su espíritu artístico. En la escultura y en esta instalación podemos apreciar el amor por las cosas que la rodeaban, esto es, su universo plástico y poético. Para ella, Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), su paisaje natural y cultural, era una especie de paraíso en la tierra, su «lugar en el mundo». De ello es buena prueba esta cuba, llena de sarmientos, unos de bronce y otros naturales, confundiéndose, como se apuntaba, lo natural y su interpretación o elaboración humana.

Por otra parte, Laffón realizó series pictóricas teniendo a la orilla de la Cartuja como base para sus paisajes de Sevilla y el Guadalquivir (el mismo río que muere en Sanlúcar). Los antiguos monjes cartujos cultivaban la vid; pues el vino era un elemento fundamental en su dieta vegetariana, bebida que al mismo tiempo es un elemento esencial en la religión y cultura católicas. Por todo ello, esta pieza aquí presentada, adquiere valores añadidos.

[VOLVER AL MAPA]

OLAF NICOLAI
Cortina de perlas negras, 2004

Instalación. Perlas de plástico negro, hilo de algodón
Medidas variables
PABELLÓN DE SANTA JUSTA Y RUFINA

Desde 1997 el artista Olaf Nicolai (Halle/Saale, Alemania, 1962) ha desarrollado una amplia variedad de proyectos interdisciplinarios. Las fronteras entre arte y ciencia, espacio público y privado, o individuo y sociedad están, a modo de hilo conductor, presentes de una forma u otra en toda su ya dilatada trayectoria.

Cortina de perlas negras fue realizada para la I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla, siendo el propio artista quien eligió para su emplazamiento el Pabellón de las Santas Justa y Rufina, también conocido como Pabellón de Pickman. Un edificio abierto en la planta baja, con ventanales en la primera y un mirador en su remate.

Con su obra Nicolai se planteó cerrar todos los vanos mediante cortinas de abalorios de plástico negro. De esta forma crea un decorado que divide el espacio y un objeto que regula sutilmente tanto el acceso como las miradas, y que nos sitúa tanto en los límites de lo público y lo privado como en los de la inclusión y la exclusión. Siendo ésto no sólo característico de la situación arquitectónica de Sevilla, sino también de su contexto geopolítico.

[VOLVER AL MAPA]