Carmen Muñoz (Granada/Barcelona)
Estudio sobre la histeria, 25 min.

Una mujer que invoca los cuerpos de sus referentes pasados hacia su intuición presente. Permitir, trascender los cuerpos, ceder y dejarse poseer por ellos, averiguar lo que está oculto y construirse sobre sus cenizas.

Un viaje iniciático desde la lucidez del cuerpo hasta su delirio histérico. Una travesía de cuerpo, palabra, pasado, destino… Y lo que se escapa.

Esta obra es un viaje. A través de la investigación de los cuerpos de bailaoras escogidas como referentes, la histérica plantea una travesía escénica para llegar a su propio cuerpo, a su propia intuición. Un recorrido de los cuerpos, una exploración de lo físico y lo místico, a través de las figuras de Carmen Mora, Manuela Vargas y La Chana, que desemboca en la conversión del cuerpo de la histérica en el que las fronteras quedan difuminadas. Una transformación, un juego dramático de su verdad y de su mentira, hacia territorios desconocidos.

De la extracción de los cuerpos de estas referentes del flamenco, Carmen Muñoz destila en el suyo, un collage escénico atravesado por la corporeidad de las enfermas de histeria y las bailarinas de la Modern Dance.

Dirección, coreografía e interpretación: Carmen Muñoz
Asistente en dramaturgia: Salvador S. Sánchez
Composición música original: Reserva Espiritual, Arnau Montserrat
Diseño espacio sonoro: Carmen Muñoz
Diseño de vestuario: Marta Piñol

Carmen Muñoz, Granada, 1988. Bailarina, coreógrafa e investigadora graduada por el CSD del Institut del Teatre BCN. Desarrolla su carrera profesional como intérprete en compañías como Estévez- Paños, Tristura, José Manuel Álvarez, La Fura dels Baus, Juan Carlos Lérida, Pol Jiménez y Marco Vargas & Chloé Brûlé.

Desde 2017 funda su propia compañía con la que ha presentado cinco espectáculos: Vallejo, Catalina mía, Bailes de histéricas (y su variación de solo de danza Estudio sobre la histeria) e Invocation. Este último recibió el Premio al mejor espectáculo de danza para espacios no convencionales 2023 por la PAD-Asociación de Profesionales de la Danza de Andalucía.

La Compañía Carmen Muñoz ha pasado por las programaciones del Festival de Danza Escena Patrimonio, Fira Mediterrània, TanzHaus NRW Düsseldorf, Teatro Central Sevilla, Museo Pompidou Málaga, Festival Ellas Crean Madrid, El Dorado Sociedad Flamenca Barcelonesa, entre otras.

Ha también creado sus piezas en espacios como La Aceitera Sevilla, Graner Barcelona, Centro Coreográfico Canal Madrid, Konvent Barcelona, entre otros espacios referentes para la creación contemporánea.

Laila Tafur (Granada / Málaga)
Maja y bastarda, 20 min.

Robas, adoptas, asumes, encarnas, encuerpas una memoria, una herencia, un legado. Sacas a la médium a garabatear y permites que otros bailes hablen a través de ti. Bailes lejanos, geografías distantes, figuras borrosas, crean una identidad des-hecha de soporte en soporte, de estilo en estilo, de historia en historia, de chisme en chisme, hasta aterrizar en este cuerpo. 

Maja y bastarda es la apropiación de bailes tradicionales que se convierten en poco serios, poco sobrios, poco puros. Es una elección lúcida por lo que puede darse al margen del dogma. De esta manera presenta en sociedad a la mil leches, que haciendo gala de su engranaje ficticio entre lo tradicional y lo novedoso, fabrica una jonda bastarda, una folklórica frankenstein que viaja del tablao al teatro, de la cueva al cabaret, del gremio a la afición, del mercadillo a la pasarela. Se mueve en una zambra collage sobre la que teje un vocabulario que por contagio y familiaridad, se lanza a inventar un hacer cargado de preguntas que apelen a lo mestizo, a lo majo, a lo extranjero.

Idea, dirección y baile: Laila Tafur
Ojo externo: Amalia Fernández y Ana Buitrago
Asesoría musical y de archivo: Charo Martín
Asesoría al baile flamenco: Alba Fajardo
Vestuario: Jorge Dutor, Carmen Corsano y Laila Tafur
Espacio sonoro: Laila Tafur
Masterización: Enrique del Castillo
Producción: Ariana Miquel y Jorge Gallardo Altamirano
Video: Malasombra

Laila Tafur es bailarina y creadora andaluza formada como coreógrafa en la Listaháskóli de Reykjavik, la Politécnica de Lisboa y finalmente en el Institut del Teatre de Barcelona. Entre 2017 y 2021 realiza tanto el MPECV del Reina Sofia como el PEI del MACBA, lugares en los que comienza su interés por la canción, la aproximación amateur a la producción de conocimiento o la encarnación de pensamiento crítico a través del humor. Con sus trabajos ha girado por numerosos festivales, y ganado el premio de mejor bailarina en el Certamen Coreográfico de Maspalomas, el Certamen Coreográfico de Madrid, segundo premio del Certamen Danza Extrema, y ha sido nominada por los Premios de la Critica de Barcelona como Mejor Solo e Intérprete. Ha sido becada en el American Dance Festival de Durham University y el Movement Research de Nueva York para completar su formación. Como intérprete ha trabajado para creadores tan dispares como Janet Novás, Xavier Le Roy, Jerome Bel, Lipi Hernandez, Albert Quesada y Carmelo Fernandez. En la actualidad combina la creación con la docencia como profesora de danza contemporánea en el conservatorio superior de Málaga con la creación.

Manuela Nogales Danza (Sevilla)
Verdor, 12 min. 

Verdor aboga por algo que debe renacer, despertar, algo que hemos olvidado y que se mantiene en nuestro interior aletargado. Renacer que no implica crear algo nuevo, sino desenterrar eso que yace oculto dentro de nosotros, que debemos volver a percibir. Una forma de acercarse al devenir, que conlleva volver a nosotros, recuperar nuestro ser, nuestra energía interior. Lo que podríamos llamar una metafísica matérica, en lo que tiene de cuerpo, naturaleza, sombra, finito, alteridad, singularidad, circunstancia, fluir, cambio, basado no en lo universal, sino en el individuo.

Coreografía: Manuela Nogales
Música original: Lehónidas Boskovec
Intérprete: Carmen Cruz

Manuela Nogales es pionera y pieza clave de la danza contemporánea hecha en Andalucía. Como coreógrafa ha realizado numerosos trabajos, con su propia compañía y otras compañías privadas y entidades como Centro Andaluz de Teatro, Centro Andaluz de Danza, Campeonatos Mundiales de Atletismo, Isla Mágica Parque Temático, Teatro Maestranza, Bienal de Flamenco, Teatro Villamarta de Jeréz, Teatro Zarzuela de Madrid,… Desde 1994 Manuela Nogales Danza ha participado en puntos de enclave para la danza dentro y fuera del país como Certámenes Coreográficos de Madrid y Maspalomas, Danza Valencia, Mes de Danza de Gijón, Mes de Danza de Sevilla, Teatro Central, Festival Internacional de Danza de Itálica, Madrid en Danza, Plataforma Española para los Encuentros de Bagnolet, Festival Internacional de Glasgow, Días de Danza de La Habana, Festival Internacional de Lima, Aerowaves, Madrid en Danza, Festival Brigittines y La Ráfinerie-Charleroi Danse de Bruselas,…

Los últimos premios recibidos han sido: Premio Espectáculo de Danza, Premio Coreografía junto a Fernando Romero y Lucía Vázquez, Premio Bailarinas a Lucía Vázquez, Ana Jiménez y Paola Domínguez por el espectáculo Summa en los Premios Escenarios de Sevilla 2024. Premio Coreografía por el espectáculo Minimal singular en los Premios Escenarios de Sevilla 2023. Premio autoría musical a Lehónidas Boskovec y Premio intérprete masculino de danza a Manuel Cañadas por el espectáculo Noche transfigurada en los Premios Lorca Premio a Mejor Espectáculo de Danza, Premio a Mejor Coreografía y Premio a Mejor Bailarina a Lucía Vázquez por el espectáculo Poéticas en la sombra, con 5 nominaciones en los Premios Escenarios de Sevilla 2021. Premio a mejor Coreografía y mejor Vestuario de Margarita Ruesga en Escenarios de Sevilla 2018 por el espectáculo Silencio y ruido, con 5 nominaciones en los Premios Escenarios de Sevilla.

Guillermo Weickert (Sevilla), Zuriñe Benavente & Ignacio Monterrubio (Pamplona)
El grito del elefante, 45 min.

 El grito del elefante es una composición en tiempo real donde los artistas Guillermo Weickert, Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio comparten escena en un contexto donde la escucha, la relación con el espacio, el público, los objetos y la música son la base fundamental de la acción.

El grito del elefante pone el foco en el estado de alarma, en la presencia del momento presente y en la conexión con todo lo que sucede en la escena y alrededor de ella.

«Ese momento cuando la creencia se suspende y cualquier cosa puede pasar. Y estás totalmente involucrado y estás mirando. Es como una película y estás interpretando tu propio papel frente a tus propios ojos. La historia se desarrolla en tiempo real y tú eres el personaje principal. Y al mismo tiempo no eres tú porque te estás viendo actuar. La acción está en sincronía con el testimonio de la acción. No hay más cuestión de elección en el sentido de que eres elegido. Tú eres el vehículo. Es un regalo y lo montas como una ola. No puede ser buscado sólo permitido. No puede ser tomado solo cuidado. Puede ser deseado pero si se cumple en sus propios términos. Puedes estar preparado. Tu trabajo es prepararte. Estar listo. Estar dispuesto. Sin juicio. Sin culpa» — Mark Tompkins

Creación e interpretación: Guillermo Weickert, Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio
Dirección: Zuriñe Benavente
Colaboración:  Iñaki Azpillaga
Producción y distribución: altraste danza

Altraste es un proyecto dirigido por Zuriñe Benavente e Ignacio Monterrubio en torno al movimiento y los nuevos lenguajes del cuerpo a través de procesos de creación, investigación, formación y mediación con públicos. En sus creaciones destaca la fusión en código performático de música, danza y texto contando con una mirada profunda en la captación del momento presente y la búsqueda de una cercanía y diálogo con el público.

A su vez, dirige y coordina el Festival Internacional de danza y movimiento DANZÁLAVA con sede en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco ARTIUM de Vitoria / Gasteiz, lo que ha permitido acercar hasta Vitoria artistas como Meg Stuart, Tino Sehgal, Mark Tompkins, Benoit Lachambre, Katie Duck, Vera Mantero, Mónica Valenciano, María Scaroni, Julyen Hamilton, Florence Augendre, Jeremy Wade, Mala Kline, Oscar Gómez Mata, Sigal Zouk, Philipp Gehmacher, Iñaki Azpillaga, Thomas Hauert o Marta Izquierdo, entre otros.

La Basal / Rocío Barriga López (Sevilla)
Todo esto no es tradición (versión reducida) , 15 min. 

Codificar, inventar y transformar, tres acciones que invitan al propio cuerpo a hacer visible lo invisible. Una pieza o manual fallido que nos propone un mapa por el cual viajar a través del tiempo. Escenas, rituales, números y códigos que nos sirven para preguntar y no encontrar respuestas, ¿dónde han quedado escritas las mujeres de esta historia?

“Todo esto no es tradición” es un proyecto de creación contemporánea que se centra en mi genealogía personal, marcada por la tradición militar de mi familia y la ausencia de registro de las experiencias de las mujeres. Se trata de una investigación artística que conecta memoria familiar e identidad, reflejando paralelismos entre la experiencia individual y colectiva. Es una obra que explora cómo hacer visible lo invisible a través del cuerpo, transformando el pasado en un mapa que nos permita viajar por la memoria y reflexionar sobre la ausencia histórica de las mujeres. El proceso de investigación se inicia en 2020 y se estrena en 2022, en el marco del máster de Investigación en Danza del Royal Conservatoire Antwerp, Bélgica.

Ficha artística
Concepto, dirección y performer: Rocío Barriga López
Espacio sonoro: César Cámara
Acompañamiento: Ana Pascual y Alejandro Barriga
Asistencia de Dramaturgia: Juan José Morales “Tate”
Asistencia de movimiento: Luna Sánchez
Mentoría máster: Poliana Lima y Anne Lise Brevers
Acompañamiento: Ana Pascula y Alejandro Barriga
Producción: La Basal
Vestuario: Machias M.

BIO

Rocío Barriga (1994) es una intérprete y creadora de Sevilla. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Danza Antonio Ruiz Soler y en el Institut del Teatre de Barcelona en la especialidad de danza clásica. Amplía su formación en el Centro Andaluz de Danza recibiendo clases de técnica Graham con Pilar Pérez Calvete. Posteriormente en 2019 se gradúa en Coreografía e Interpretación en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, Madrid. Durante esta formación recibe una beca de movilidad en Folkwang Universitat der Kunste, Alemania. Allí se acerca al trabajo técnico y estilístico de Pina Bausch de la mano de profesores como Lutz Foster, Malou Airaudo y Stephan Brinkmann.

En 2022 finaliza el programa de máster de investigación en danza del Royal Conservatory Antwerp y deSingel en Bélgica, estrenando como proyecto final su primer solo escénico “Todo esto no es tradición”. Nominada por dicha pieza a mejor intérprete por los premios PAD de Andalucía. Ha participado en diversos proyectos escénicos y pedagógicos junto a creadores como Javier Barón, David Troncoso, Antonio Quiles, Juan José Morales “Tate”, Kor’sia y Thomas Noone Dance.

En 2019 crea el colectivo de jóvenes creadoras La Basal, desde entonces ha co-creado diversas piezas escénicas junto a Luna Sánchez, Alejandro Barriga o Sergio R. Suárez, participando en distintos festivales como Cádiz en Danza, Ahora Danza Cicus, Festival 10 sentidos, EscenaMobile, Visibles V, Migrats, Huellas Danza de Aracena o Surge Madrid entre otros. En junio 2020 inicia el proyecto de colaboración “Identidad, cuerpo y tierra”, dando como resultado una exposición fotográfica creada junto a la artista visual Sara Sánchez. Actualmente  forma parte de los proyectos de investigación y creación de la compañía Las Protagonistas junto a Lucía Bocanegra y María Pizarro. Desde septiembre 2022 hasta octubre 2024 ha  trabajado en la gestión y producción de la compañía de danza y productora creativa ELAMOR.

La Basal. Es un colectivo de jóvenes creadores fundado en 2019 para proporcionar apoyo creativo y asistencia en la gestión de proyectos, tejiendo una red que fomente su trabajo, ideas e inquietudes artísticas. Sus proyectos se centran en el cuerpo y el movimiento como herramientas principales, moldeados por sus perspectivas sobre los derechos y las políticas culturales desde contextos tanto personales como compartidos. Aunque su labor principal gira en torno a la creación y promoción artística, también se dedican a la mediación, la educación y la colaboración con otras entidades culturales.

La Basal ha presentado sus proyectos en el Festival Cádiz en Danza, Festival 10 Sentidos, Fabbrica Europa, La Casa Encendida, Surge Madrid, Centro Coreográfico de Andalucía, entre otros.

Han recibido apoyo a través de becas y residencias como la del INAEM, Comunidad de Madrid, Junta de Andalucía, Acción Cultural Española, Centro Coreográfico Canal y Royal Conservatoire Antwerp.

DDCdanza Daniel Doña (Granada / Madrid)
Doma, 24 min.

Doma aborda el concepto de la domesticación como un acto de rebelión a través del cual crear un pulso entre los hitos culturales de la tradición y las formas propias de la hibridación coreográfica. Explora los conceptos de crueldad, abuso de poder y violencia en nombre del honor, las costumbres o las creencias. Una rebelión a través de la danza puramente física que se inspira en las prácticas de resistencia y en los pactos con el conflicto que perturba el orden de las cosas, conscientes de que subvertir la norma es el único camino hacia la salvación.

Idea original, dirección y dramaturgia: Daniel Doña
Interpretación y coreografía: Cristian Martín & Daniel Doña
Composición musical original: Carlos Cuenca

Al frente de la compañía DDCdanza – Daniel Doña desde 2013, se ha convertido en uno de los máximos referentes de la danza española actual y se ha consolidado como un explorador inagotable de movimientos, tradiciones y vanguardias. Sus trabajos se despliegan como territorios ilimitados en los que la danza española renovada, el flamenco y la danza contemporánea dialogan entre sí y con otras disciplinas artísticas. Entre 2005 y 2011 dirige junto a Olga Pericet y Marco Flores el colectivo Chanta la Mui, una «de las aventuras artísticas más interesantes del baile flamenco español de las últimas décadas», según el diario El ABC. Premio Jóvenes Valores de las Artes Escénicas (Hugo Boss 2004), Premio El Ojo Crítico de Danza en 2016, por su «continua evolución de estilos, por abrir nuevos caminos, desarrollar una voz propia de autor y beber de la Danza Española para proyectarse

hacia la contemporánea». Es además Premio Max a la Mejor Coreografía 2009, Premio HEBE de Honor 2016, Premio MAX al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2019, Premio LORCA a la Mejor Coreografía en 2022 y Premio LORCA a Mejor Espectáculo de Danza Flamenca 2023.

En 2023 es nombrado director artístico y coreógrafo de Parque España Shima Spain

Village de Japón.

La Basal / Rocío Barriga López (Sevilla) y Sergio R. Suárez (Madrid)
No estamos aquí para bailar, 14 min.

No estamos para bailar es un proceso de investigación que atiende a nuestra necesidad por desarticular los diferentes códigos por los cuales nuestro cuerpo ha aprendido a desear, lo que es deseable o lo que es el deseo. Queremos ubicarnos en nuestro punto de partida totalmente vacío que nos permita expresar la relación entre cuerpo y deseo de manera más personal y más honesta. Partiendo de dos cuerpos entrenados para el movimiento, nuestra premisa de trabajo principal es la de analizar los efectos del deseo sobre el cuerpo danzante para poder abstraer los estados físicos, las acciones y las dinámicas que en él provoca, y así poder acercarnos a la investigación práctica de un cuerpo amable, sencillo y placentero, abandonando la perspectiva de producción y permitiéndonos entregarnos al deseo de forma más espontanea.

Consideramos el acto escénico como un espacio abierto a la reflexión en el que se debe configurar un terreno fértil sobre el que proponer desacuerdos y enfrentamientos con la mirada externa, para poder llegar a conclusiones desde un espacio más personal.

Queremos hacer de nuestra práctica escénica un medio, un proceso, nunca un fin.

Dirección, coreografía e interpretación: Rocío Barriga y Sergio R. Suárez
Espacio Sonoro: Antonio Maza
Acompañamiento artístico: Rosa Romero, Alejandro Barriga y María Pizarro

LA BASAL
La Basal es un colectivo de jóvenes creadoras que nace en 2019 con el objetivo principal de proporcionar acompañamiento creativo y respaldo en la gestión de proyectos, para tejer entre todas sus componentes una red de apoyos que dé impulso a sus trabajos, inquietudes e ideas. Los proyectos artísticos centran su núcleo de trabajo en el uso del cuerpo y su movimiento como herramienta principal, atendiendo a su perspectiva sobre derechos y políticas culturales, desarrollada a partir de su contexto personal y compartido. Su labor principal es la de creación y promoción de contenido artístico, pero también están interesadas en realizar labores de mediación y formación ligadas a sus proyectos, así como en colaborar con otras entidades culturales pertenecientes a diversas disciplinas artísticas.

El equipo de trabajo de La Basal está formado por Rocío Barriga, Claudia Bosch, Aurora Costanza, Sergio R. Suárez y Luna Sánchez.

Durante su recorrido, La Basal ha desarrollado diferentes proyectos artísticos, tanto escénicos como para espacios no convencionales, como Apuntes directos, Hydra, Todo esto no es tradición, MudarseInstalarse, La revisión, mudarseSINinstalarse, Fetiche, Y si solo fuimos sombra, MIMI y Quiral. Estos proyectos se han exhibido en diferentes festivales, programaciones y espacios como Festival 10 Sentidos, Cádiz en Danza, Fabbrica Europa Festival, Festival Bucles, Jornadas Escénicas Injuve, Festival Figueres Es Mou, Festival Olot, Festival Visibles V, SóloDos en Danza, Migrats Dansa, Espai Inestable, Nave 73, Festival Escena Contemporánea, Festival Escena Mobile, Festival La Mercé, La Casa Encendida, CICUS, Surge Madrid, CentroCentro, Festival 150gr o DT Espacio Escénico.

ROCIO BARRIGA
Rocío Barriga (1994) es una intérprete y creadora de Sevilla. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Danza ‘Antonio Ruiz Soler’ y en el Institut del Teatre de Barcelona en la especialidad de danza clásica. Amplía su formación en el Centro Andaluz de Danza. Posteriormente en 2019 se gradúa en Coreografía e Interpretación en el Conservatorio Superior de Danza ‘María de Ávila’, Madrid. Durante esta formación recibe una beca de movilidad en Folkwang Universitat der Kunste, Alemania. Allí se acerca al trabajo técnico y estilístico de Pina Bausch de la mano de profesores como Lutz Foster, Malou Airaudo y Stephan Brinkmann. En 2022 finaliza el programa de máster de investigación en danza del Royal Conservatory Antwerp y de Singel en Bélgica, estrenando como proyecto final su primer solo escénico ‘Todo esto no es tradición’. Nominada por dicha pieza a mejor intérprete por los premios PAD de Andalucía. Ha participado en diversos proyectos escénicos y pedagógicos junto a creadores como Javier Barón, David Troncoso, Antonio Quiles, Juan José Morales ‘Tate’, Kor’sia y Thomas Noone Dance. En 2019 crea el colectivo de jóvenes creadoras La Basal, desde entonces ha co-creado diversas piezas escénicas junto a Luna Sánchez, Alejandro Barriga o Sergio R. Suárez, participando en distintos festivales como Cádiz en Danza, Ahora Danza Cicus, Festival 10 sentidos, Escena Mobile, Visibles V, Migrats, Huellas Danza de Aracena o Surge Madrid entre otros. En junio 2020 inicia el proyecto de colaboración ‘Identidad, cuerpo y tierra’, dando como resultado una exposición fotográfica creada junto a la artista visual Sara Sánchez. Actualmente forma parte de los proyectos de investigación y creación de la compañía Las Protagonistas junto a Lucía Bocanegra y María Pizarro.

SERGIO R. SUÁREZ
Sergio R. Suárez (1995) se gradúa en Danza Española por el Real Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’, Título Superior de Coreografía de Danza Española y Flamenco en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, Máster en Estudios LGBTIQ+ en la Universidad Complutense de Madrid, que finaliza con una investigación performativa sobre la construcción de los códigos de representación del lenguaje de la danza española y el flamenco en materia de género. Además, es invitado en 2021 por el Máster en Gestión Cultural de la Universidad Carlos III para impartir una sesión sobre disidencias sexo-genéricas y diversas cuestiones LGBTIQ+ en el plano sociocultural. Desde 2021 es socio de la Asociación Cultural La Basal. Actualmente cursa el Máster en Gestión Cultural por la Universitat Oberta de Catalunya.

Ha trabajado como interprete en diferentes compañías entre las que destacan: Cía. Ibérica de Danza, Cía. Marta Nogal, Nova Galega de danza, Enclave Español Cía de Danza, Ballet Flamenco de Madrid.

LaBotilar / Ángel Hernández Martínez (Sevilla/Marsella) y Vito Giotta (Italia/Marsella)
Joy (un acto de resistencia), 25 min.

Bajo el mantra de que la alegría es un acto de resistencia, la nueva pieza de danza contemporánea de LaBotilar llega inspirada por una de las formas más importantes de danza y vida: el flamenco. Nacido de la resistencia cultural de los marginados en Andalucía, el flamenco resume hoy la idea de la humanidad en el siglo XXI. No solo es un conjunto de herramientas creativas, ritmos, signos y símbolos cargados de riqueza e intensidad emocional, sino también un recordatorio de que es posible aceptar el dolor a través de la alegría como herramienta para combatirlo. Esta lucha no se limita a la expresión, creación o emoción, sino que también representa una postura ética y política.

Coreografía e interpretación: Ángel Martínez Hernández y Vito Giotta
Música en directo: Eva Tamisier
Compositor: José Sánchez
Apoyo a la creación: Ana Pérez
Dramaturgia: Agnès Lopéz-Río

SOBRE LABOTILAR
LaBotilar es una compañía de danza contemporánea con sede en Marsella (Francia), dirigida por Vito Giotta y Ángel Martínez Hernández. Este dúo creativo nació con la intención de aunar elementos diferentes y complementarios, actuando como un taller dinámico de creación y experimentación, un eje esencial para desentrañar la complejidad de las producciones artísticas en el siglo XXI. Invocado en el aullido que completa su nombre, el grito de LaBotilar quiere simbolizar la fusión de varias voces, que, bajo la visión de estos creadores, dan forma a una creación contemporánea que quiere resonar en la comunidad humana y artística. En este sentido, la filosofía creativa de LaBotilar se alimenta de la profunda necesidad de Vito y Ángel de reflexionar sobre su trayectoria en la danza como intérpretes y como creadores para potenciar el privilegio que ha sido a lo largo de su carrera, de colaborar con artistas de diferentes culturas, orígenes, géneros, razas… Estas experiencias enriquecieron su comprensión de cómo las interacciones pueden ampliar la observación, estimular la imaginación e intensificar la investigación artística. Por ello, en el centro de su trabajo se encuentra el intercambio constante de ideas y conocimientos, el bagaje cultural se entrelaza con el suyo, buscando estímulos que ofrezcan una visión más amplia y completa del proceso creativo. En esta perspectiva, el manifiesto creativo de LaBotilar parte de tres propuestas esenciales: ofrecer un espacio vacío donde reine la libertad creativa, fomentar el encuentro intercultural y desarrollar un nuevo lenguaje artístico a través del intercambio con otros artistas.

VITO GIOTTA
Nacido en 1983 en Putignano, Italia. Vito Giotta se formó bajo la dirección de Annalisa Bellini. A la edad de 18 años obtuvo una beca para ingresar en la Escuela de Ballet Toscana dirigida por Cristina Bozzolini y Rosanna Brocanello. Continúa en la danza contemporánea bajo la dirección de Samuele Cardini en Florencia. Durante los 3 años de estudio en Florencia, se unió a la «compañía junior» del Balletto di Toscana y el Opus Ballet, donde bailó para los coreógrafos Fabrizio Monteverdi, Mauro Bigonzetti, Daniel Tinazzi y Samuele Cardini. A la edad de 22 años, fue uno de los 24 bailarines seleccionados de toda Europa para participar en el proyecto europeo D.A.N.C.E. dirigido por William Forsythe, Frederic Flamand, Wayne McGregor y Angelin Preljocaj. Un programa intensivo de 2 años que le permitirá integrar los métodos de trabajo de estos 4 directores, pero también tener la oportunidad de crear sus propias coreografías y bailar el repertorio de estos grandes nombres de la danza contemporánea. Con Ángel Martínez Hernández comienza su carrera como coreógrafo. Juntos ganaron el 2º premio en el Certamen Coreográfico de Madrid en 2007, con la pieza In2. En 2007, se unió al Ballet Nacional de Marsella (BNM) bajo la dirección de Frédéric Flamand, donde participó en todas las creaciones del director, se unió al repertorio del mismo coreógrafo y participó en las creaciones de coreógrafos invitados por el BNM como Lucinda Childs, Yasuyuki Endo, Thierry Malandin y Emanuel Gat. A partir de 2014 continuó en el BNM bajo la dirección de Emio Greco y Pieter C. Scholten, participando activamente en las creaciones de los directores y coreógrafos invitados. A lo largo de su tiempo en el BNM continuó el trabajo coreográfico iniciado con Ángel Martínez Hernández, creando varias piezas, incluyendo Maybe Tomorrow producida por el BNM. Ha sido bailarín en el Ballet National de Marseille bajo la dirección de (LA) HORDE hasta el 2022, participando a la creación ROOM WITH A VIEW creada en colaboración con el compositor RONE. Hoy en día, es asistente coreográfico de (LA)HORDE para varios proyectos.

ÁNGEL HERNÁNDEZ MARTÍNEZ
Nacido en 1986 en Coria Del Río, comenzó a bailar en Sevilla. En el 1998 ingresó en el Centro Andaluz de Danza hasta 2005, bajo la dirección de Ramón Oller y Pilar Pérez Calvete. Al mismo tiempo, obtuvo una beca que le permitió estudiar en el I.T. Danza de Barcelona. Entre 2005 y 2007, fue seleccionado para el programa europeo D.A.N.C.E. dirigido por Wayne McGregor, William Forsythe, Frédéric Flamand y Angelin Preljocaj, donde bailó piezas del repertorio y nuevas creaciones realizadas por estos 4 directores. También, se perfeccionó en creaciones de sonido-vídeo y otros tipos de escritura coreográficas experimentales. Su solo Cartas para Wendy (2006) fue premiado en el concurso coreográfico de Madrid. Poco después, comenzó su carrera como coreógrafo con Vito Giotta, y fueron galardonados con el 2º premio de coreografía en el Certamen Coreográfico de Madrid con la pieza In2. En 2008/2009, se unió a la compañía Wayne McGregor/Randomdance, donde participó en varias de sus creaciones. En 2009, se unió al Ballet Nacional de Marsella (BNM), bajo la dirección de Frédéric Flamand, como solista. Participó en las creaciones del director, pero también bailó para coreógrafos como Lucinda Childs, Yasuyuki Endo, Nacho Duato, Anabel López Ochoa, Emanuel Gat, Thierry Malandin, Olivier Dubois, Richard Siegal, entre otros. Continuó su carrera en el BNM bajo la dirección de Emio Greco y Pieter C. Scholten donde también bailará en una creación del coreógrafo belga Jeroen Verbruggen. Obtiene su Diploma Estatal de profesor de danza en 2016 e interviene en el plan de estudios de preparación de estudiantes DNSP dentro de la Escuela Nacional de Danza de Marsella, dirigida por Omar Taiebi. Continúa su carrera en al Ballet Nacional de Marsella bajo la nueva dirección de (LA)HORDE hasta 2023, participando en la creación de ROOM WITH A VIEW en colaboración con el compositor RONE. Durante estos años también baila para los coreógrafos Tania Carvallo, Oona Doherty y Lasseindra Ninja, entre otros. Actualmente es asistente coreográfico de (LA)HORDE para el Ballet Nacional de Marsella. Durante estos años Junto con Vito Giotta, continúan creando algunos de sus trabajos y ahora es director y coreógrafo de la joven compañía LABOTILAR. Desde la creación de la compañía en 2022 ganan el premio “Best Performance/Performers” en el festival ACT de Bilbao con la coreografía Punto y Seguido.

Danza Mobile / Manuel Cañadas y Sara Barker (Sevilla)
Sara y Manuel, 15 min.

“Dos cuerpos buscando el desapego en el espacio”

Manuel Cañadas de la Cía. Perros en Danza, responsable de la coreografía, es un nombre destacado en la historia de la danza contemporánea en Andalucía. Con un inconfundible sello creativo y un lenguaje en permanente renovación y descubrimiento desde el nacimiento de la compañía en 1997, Perros en Danza ha sido galardonada en espacios de referencia como el Certamen Coreográfico de Maspalomas (1999), la MUDA (2002) o la Muestra de Teatro de Palma del Río (2001 y 2009).

Idea Original, concepto y coreografía: Manuel Cañadas
Intérpretes: Sara Barker y Manuel Cañadas
Asesoría artística: Esmeralda Valderrama
Una producción de compañía Danza Mobile

SOBRE DANZA MOBILE

La compañía Danza Mobile comenzó su andadura profesional en el año 2001, siendo un referente en el ámbito de la danza contemporánea inclusiva nacional e internacional. Desde la primera puesta en escena, se han producido más de 30 espectáculos con los que se han realizado más de 600 representaciones, formando parte de programaciones nacionales e internacionales. En este recorrido ha sido fundamental la participación de más de 60 de profesionales del mundo de las artes escénicas nacionales e internacionales, así como la formación continua de los intérpretes con discapacidad en el Centro de Creación Danza Mobile. Fruto de este trabajo, Danza Mobile ha obtenido varios reconocimientos, entre ellos, el Premio Dionisos a proyectos teatrales con repercusión social, otorgado por UNESCO-Comunidad de Madrid (2012); el Premio Andaluz a las Buenas Prácticas en la Atención a las personas con discapacidad de la Consejería para la Igualdad y el Bienestar Social de la Junta de Andalucía (2010); el Premio ‘Solidaridad’ de la Unión de Actores e Intérpretes de Andalucía (2010); el Premio Mayte de Teatro a la Normalización de la discapacidad en el Teatro (2007); la Medalla de la Ciudad por su trayectoria en el fomento de la cultura, del arte y difusión del nombre de Sevilla y el premio MAX 2018 de Carácter Social de la Sociedad General de Autores (SGAE).

SARA BARKER
Nacida en 1995 en Sevilla, su interés por la danza comenzó desde la infancia con sus primeras clases de sevillanas. A la edad de 9 años, en el año 2004, decide inscribirse en el Conservatorio Profesional de Danza de Sevilla Antonio Ruiz Soler donde se formará hasta el año 2013 como alumna de Grado Profesional de Danza Española. A su salida del conservatorio llega a la Escuela de Danza como voluntaria, comenzando a formarse como intérprete de contemporáneo con Manuela Nogales. En 2014 participa en el VIII Festival Internacional Escena Mobile con Sendas, pieza de danza contemporánea de la coreógrafa Ana Erdozain. La pieza se presenta en el 28 Certamen Coreográfico de Madrid donde recibe el Premio Coreógrafos en Comunidad y el Premio Universidad Carlos III. Sendas se representa ese mismo año en el No Limits Festival, en Berlín. En 2015, vuelve al Festival Internacional Escena Mobile con Bailo, luego existo del coreógrafo José Galán. Este espectáculo se representa en escenarios internacionales como en el Hijinx Unity Festival (2016) de Cardiff y en el Festival Internacional ProTeatre de Moscú (2016). Con el coreógrafo Raúl Márquez estrena ese mismo año en el X Festival Internacional Escena Mobile el espectáculo Sertrifugados con el que viajaron al Hijinx Unity Festival de Caernarfon (Gales). También forma parte del elenco del espectáculo Society (políticamente incorrectas), dirigido por Paqui Duque, estrenado en 2018 en el Teatro de La Fundición de Sevilla.

MANUEL CAÑADAS
Coreógrafo, profesor y bailarín malagueño. En 1984 empezó su formación como actor y bailarín en su ciudad natal. En 1997 creó su propia compañía, Perros en Danza. En 2009 recibió el Premio Escenario a la Interpretación Masculina en Danza con Petroff, solo quiere bailar. Premio mejor bailarín en los Premios Escenarios de Sevilla 2014 por la obra Bombillas. No te veo. Anexo I. Premio Andaluz de Teatro al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2015. Premio Lorca 2017 al Mejor bailarín de danza contemporánea de la Asociación de las Artes Escénicas de Andalucía (ARESAN). Colabora con Danza Mobile desde tres vertientes: como profesor de danza contemporánea, como coreógrafo y como intérprete de la compañía. Como coreógrafo, comienza su colaboración con Danza Mobile en el año 2005 con el espectáculo Jaquelado y, posteriormente, con Descompasaos (2008), Sirena en tierra (2009), Encuentros y saludos (2014) y Sonámbulos (2015). Como intérprete ha participado en los espectáculos Pez y pescado (2007) con la Compañía suiza de Ana Rothlisberger, Encuentros y saludos (2014), Sonámbulos (2015), En vano (2016) y El festín de los cuerpos (2018). Como docente, lleva impartiendo clases de danza contemporánea en el Centro de Creación Danza Mobile desde el año 2015, así como en otros espacios.

Carmen Fumero y Dácil González (Canarias / Madrid)
A ojo, 18 min.

Se denomina “a simple vista” a la observación que se realiza sin instrumentos ópticos que ayuden a percibir con más detalles aquello que contemplamos. Lo que es observado se enmarca en el contexto subjetivo del que observa, así su percepción está ligada a la manera de mirar las cosas y los hechos en cada espacio. La belleza está en el ojo del que mira.

Con el cambio como único motor estable a nuestro alrededor, descubrimos hendiduras a través de las cuales mirar y ser percibidos; grietas en piel y en las superficies que nos muestran formas de tener acceso al mundo y a nosotros mismos.

Dirección, coreografía e interpretación: Carmen Fumero y Dácil González
Música original y ambiente sonoro: Looking for Nafara y Aurora Arteaga Álvarez

SOBRE DÁCIL GONZÁLEZ Y CARMEN FUMERO
Dácil González y Carmen Fumero son dos bailarinas y creadoras canarias afincadas en Madrid, con una amplia y sólida trayectoria, cuyos caminos ya se han cruzado en varias ocasiones de la mano de coreógrafos como Daniel Abreu o Iker Arrue.

La admiración que se profesan y su manera de entender el cuerpo y la escena, las reúnen ahora en un proyecto creativo común en el que comparten conocimiento y experiencias, y plantean un espacio desde el que poder cuestionar, y abrir un imaginario de movimiento y acción. Un proyecto de colaboración que da comienzo con las piezas Mutable y A ojo.

DÁCIL GONZÁLEZ
Nace en Canarias. Se forma en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid. Trabaja como intérprete en compañías como 10&10danza, Larumbe Danza, Provisional Danza, Daniel Abreu, Matarile Teatro yCarmen Werner, entre otras. En 2004 ingresa en la Cía. Nacional de Danza dirigida por Nacho Duato. En 2012 comienza su trayectoria como creadora presentando piezas como A palo seco, Lo que no se ve, Mud Gallery: animación de paisajes, La carne o Segunda piel. Ha recibido el Premio Nacional de Danza 2019 en la modalidad de Interpretación, y el Premio a Mejor Intérprete Femenina en el Certamen Coreográfico de Madrid 2004.

CARMEN FUMERO
Nace en Tenerife. Se gradúa en el Conservatorio Profesional de Danza de Madrid y amplía su formación en compañías como Europa Danse o Steptext Dance Project. Ha trabajado con coreógrafos como Yoshua Cienfuegos, Jean Philippe Dury, Daniel Abreu o Iker Gómez. En 2012 comienza su trayectoria como creadora junto a Miguel Ballabriga con piezas como D-structures, Save the temazo, Movimiento Involuntario o Mutable. Ha sido premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid y Certamen Masdanza. Como intérprete ha participado en obras de la Cía. Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza 2014), además de colaborar con Carmen Werner, 10&10 Danza o Poliana Lima.

Ana G. Morales, Carlos Guerrero y Judith Mata (Sevilla / Huelva)
Mariposas de carretera, 20 min. (Estreno)

 Paisaje colorista, diluido y deslizante con ciertos desniveles, fisuras y tropiezos. Donde aquello que tiene la posibilidad de doblarse y replegarse, origina nuevas formas de asimétricas simetrías que dilatan, condensan, atraen y repelen. Ellas se comen mutuamente. Dando lugar al juego de lo uno, lo doble y lo múltiple, de lo que se une y se separa, iguala y diferencia, repite por inercia o por gusto, sin saber o quizás sí, si ya es suficiente o aún falta. Es la pulsión del deseo la que nos invita a la mezcla.

Ficha artística
Creación e interpretación: Ana G. Morales y Judith Mata
Espacio sonoro y composición musical: Carlos Guerrero
Producción musical: Miguel Vázquez-Prada Baillet
Dirección artística: Teresa Navarrete
Acompañamiento coreográfico: Juan Luis Matilla
Mirada externa: Luca Nicolaj
Imagen y vídeo: Mara García
Asesoramiento vestuario/confección: Gloria Trenado
Confección vestuario: ILO. Ángela Gomar

JUDITH MATA
Bailarina, coreógrafa y educadora. Formada en Ballet Clásico, Danza Contemporánea e Improvisación, combinando con prácticas como el Ashtanga Yoga, la meditación Vipassana, la somática y anatomía vivencial desde el BMC®, entre otras. Graduada en Filosofía, Máster en Educación Activa.

Inicia su carrera profesional como bailarina en el año 1998 con la compañía sevillana Perros en Danza, trabajando a lo largo de los años con compañías de danza, teatro y circo. En el 2006 presenta su primer solo Fragmento 0 en la Sala Endanza; a este le siguen toda una serie, creados, en su mayoría, para espacios no convencionales y con música original, el último de ellos PAJA-RA. Desde entonces se involucra en proyectos compartidos y de diversa índole tanto como intérprete como creadora, implicando a su vez diferentes lenguajes como la fotografía, el vídeo o la instalación.

Desarrolla una intensa labor a nivel de educación desde el cuerpo y el movimiento con personas de todas las edades y diversidad, tanto en centros públicos, iniciativas independientes de crecimiento respetuoso, centros ocupacionales y asociaciones de mujeres.

En la última década, ubicada en el entorno rural, activa y media proyectos artísticos, culturales y sociales que ponen en relación a lxs habitantes del territorio con la danza y sus manifestaciones.

ANA G. MORALES
Ana García Morales es bailarina, intérprete, coreógrafa, performer y modelo en el ámbito de las artes escénicas y plásticas. A lo largo de su trayectoria, ha trabajado en una amplia variedad de proyectos que incluyen teatro, danza, cabaret, performance, videoclips, videodanza, exposiciones fotográficas, publicidad y más. En la actualidad, trabaja como profesora de danza contemporánea en el Conservatorio Profesional de Danza.

Se formó en danza clásica en el Conservatorio Profesional de Danza de Sevilla y en danza contemporánea en el Centro Andaluz de Danza (CAD), allí comienza también su práctica de yoga, que ha estado presente durante toda su carrera. Del mismo modo, ha mantenido su formación en improvisación, interpretación, técnica vocal y pedagogía de la danza.

Como profesional ha trabajado a nivel nacional con diversas compañías de danza, colaborando con creadores y creadoras como Manuel Cañadas, Roberto Martínez, Bárbara Sánchez, Natalia Jiménez, Laura Lizcano y Juan Luis Matilla. También ha participado en producciones teatrales con compañías como La Fundición y bajo la dirección de profesionales como Luca Nicolaj. En el ámbito internacional, ha formado parte de espectáculos de danza, cabaret y danza-teatro con compañías como DelaFéDance, King&Silverhult Production y Balletto di Sardegna. Ante la cámara ha participado en videoclips, videodanzas y sesiones fotográficas como modelo en movimiento con diversos artistas, entre ellos Mara García, Rebecca Hoppe y Urs Kuckertz.

CARLOS GUERRERO
Músico interesado en las artes escénicas y en la exploración del diálogo de diferentes disciplinas artísticas. Estudia piano en el Conservatorio Superior de Badajoz y en la Royal Academy of Music de Londres, además de dirección coral y pedagogía en el Real Conservatorio de la Haya y en el Kodály Institute of the Liszt Ferenc Academy of Music en Hungría. Recibe formación complementaria en mimo, teatro físico y danza butoh. Ha realizado actuaciones como solista o como integrante de ensembles en prestigiosas salas de conciertos en países como Brasil, Rusia, Holanda, España, República Checa, Francia e Inglaterra.

Es premiado en numerosos concursos de piano como el Concurso Internacional de piano Ricard Viñes, categoría A. Trabaja para la compañía de teatro musical holandesa SOIL, participando en varias producciones que giraron por toda Holanda. En el 2020 fue creador e intérprete de la pieza musical- performática “Kairós”, junto al bailarín Aarón Comino. Colabora en la pieza “La Escalera” de bailarín Álvaro Silva, realizando varias residencias artísticas juntos. Actúa en Córdoba junto al bailarín de danza butoh Matilde Ciria, creando el espacio sonoro de la pieza “Airón”. Participa como músico en Estancias Coreográficas XI y XII, colaborando y creando junto a coreógrafos como Yoshua Cienfuegos o Jon López (Led Silhouette). Además formó parte de la Bailand Band, en la temporada 2023/2024 tocando en la Formación Anual Bailand, celebrada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, acompañando las clases de artistas como Chey Jurado, Cristiane Boullosa, Mercedes Pedroche o Chefa Alonso.

Es creador y divulgador, junto a Catarina Távora, de Los Encuentros de Pedagogía Musical organizados por la Orquestra Sem Fronteiras y la UNESCO. Ha desarrollado su labor pedagógica principalmente en El Centro de las Artes en Almere en Holanda, el Conservatorio Profesional de Música de Tenerife y el Conservatorio Profesional de Música de Las Palmas de Gran Canaria, La Escuela Insular de Música de Fuerteventura. En la actualidad, es músico acompañante del Conservatorio Profesional de Danza de Cádiz y Sevilla.

Manuel Rodríguez (Jaén)
Alien, 30 min. 

En Alien, el cuerpo del performer se reimagina como un organismo ficcional y sensorial: un lenguaje vivo que desarticula nociones de identidad y percepción. Desde una perspectiva posthumana, este solo especula sobre los usos alternativos del cuerpo humano como instrumento, interrogando su propósito inherente y desafiando los paradigmas del diálogo y la transmisión del mensaje.

Se dice que cuando los astronautas regresan a la Tierra tras haberla contemplado desde la inmensidad, lo real adquiere matices de ficción. El planeta deja de ser una noción abstracta e inasible; mientras el observador se empequeñece, la Tierra se expande, volviéndose abrumadoramente vasta. Las palabras comunes resultan insuficientes, y la conciencia de sí mismo se extiende más allá de sus propios límites.

Es en esta expansión, en este deslizamiento de lo real hacia lo ficcional, donde comienza Alien. Esta obra explora los límites de lo humano y su corporeidad: un cuerpo que, como la Tierra vista desde la distancia, se torna irreconocible, una imagen cambiante en la que nos perdemos y nos redescubrimos continuamente. Es un lugar de extrañamiento, resistencia y transformación. Aquí, el cuerpo no solo comunica; deviene un espacio en el que identidad y percepción se suspenden ingrávidos, abriéndose a nuevas potencialidades.

Concepto, coreografía e interpretación: Manuel Rodríguez

MANUEL RODRÍGUEZ
Bailarín, coreógrafo y artista visual andaluz. Master en New Performative Practices por la SKH Universidad de las Artes de Estocolmo. Su práctica se despliega en una exploración poética sobre el cuerpo como lenguaje y archivo vivo, instrumento de memoria y superficie para lo ilegible. Sus obras invocan lo inacabado y lo indescifrable, abriendo fisuras donde imaginar otras formas de estar juntos.

Entre sus más de 15 obras escénicas aparte de editoriales, audiovisuales e instalativas, como: Body on Paper, Alien, Screensaver R.E.M y Manu, también destacan obras encargos para espacios no convencionales como la Fundación Mies Van Der Rohe, la UNESCO Ciudades Patrimonio, los Museos MACBA, TEA de Tenerife, Thyssen de Madrid, Centro Centro Cibeles, Kyoto Art Center, Cukrarna Eslovenia y Bonnefanten Museum Maastricht.

Su larga trayectoria es rica de colaboraciones, premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan el 1º premio en Gdansk International Solo Dance Contest, en el Certamen Coreográfico de Madrid, en el Certamen Coreográfico Burgos/NYC y en el Copenhagen International Choreography Competition entre otros.

Manuel ha sido artista seleccionado por Aerowaves en 2 ocasiones y ha recibido el apoyo a través de residencias artísticas, estrenos y otros recursos de instituciones, festivales, teatros y centros de creación como el El Graner, Instituto Cervantes y Ramon Llull, Embajada de España, Instituto de Cultura de Barcelona, Fundación Cataluña la Pedrera, TanzHaus de Zurich, Tanzcompany of Graz Opera, Acción Cultural Española, Teatros del Canal, Elamor, Centro Cultural Conde Duque, Lavandería a Torino, Mercat de les Flors, Festival Salmon y Bunker Elektrarna Eslovenia. Durante su carrera como interprete ha colaborado con coreógrafos con proyección internacional como Marcos Morau, formando parte de la compañía La Veronal durante 10 años, James Thierrée (nieto de Chaplin) o Carmen Werner entre otros.