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Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
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EXPOSICIONES PASADAS 2012/2013

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Sesión
MÁS ALLÁ DE FIGURA

Selección de obras realizada por Alfonso Albacete y Armando Montesinos en el estudio del artista para la exposición Asuntos internosAlfonso Albacete: Asuntos internos
15 febrero - 30 marzo 2014

Asuntos internos ha titulado Alfonso Albacete (Antequera, 1950) esta exposición que presenta más de 150 obras sobre papel, elegidas de entre las guardadas en carpetas, cajones y cuadernos de su estudio, para sugerir un mapa movedizo de los temas, los motivos y los modelos de una obra desarrollada a lo largo de más de tres décadas. Un haz de luz, la expresiva postura de un cuerpo, una forma arquitectónica en medio de un agreste paraje natural, la sombra de una planta en una hoja de papel, una foto en un periódico, el recuerdo de una situación o de un poema… Temas, figuras y objetos que han sido pensados, analizados y sentidos de diversas maneras y en momentos distintos. Sus formas, volúmenes y colores; sus sentidos simbólicos; su pertinencia para expresar lo contemporáneo o lo atemporal, se entrecruzan, dotándose de significados y referencias mutuas, hasta que encuentran su resolución final en una serie de cuadros. Esta exposición muestra las huellas de los procesos a través de los cuales esa sostenida investigación que liga el mundo visible con el mundo de las ideas y de las sensaciones, se va desarrollando. Y también los distintos recursos técnicos y registros mentales y los variados lenguajes que el pintor, con la seguridad de la experiencia o con la audacia del experimento, utiliza para fijarlos sobre el papel.


JOSÉ MIGUEL PEREÑÍGUEZ.  Shamil y miurides (detalle), 2013, lápiz sobre papel, 70 x 100 cm
José Miguel Pereñíguez. Lo otro. Una exposición de artes aplicadas
22 de noviembre de 2013 - 23 de febrero de 2014

Quien lea Hadjí Murat, la novela de Tolstói, tal vez repare en la abundancia de términos procedentes de diversas lenguas de la región del Cáucaso que aparecen en el texto sin traducir. Esas palabras, tomadas en conjunto, esbozan el paisaje material y humano de aquella región. Pero la precisión de ese vocabulario original se diluye por la ausencia de una imagen clara que pueda formarse en nuestra mente. Realidades concretas, designadas por términos de uso corriente que, sin embargo, permanecen como enigmas, apenas aclarados por notas a pie de página. Este proyecto se propuso, en principio, buscar una equivalencia visual de cada una de esas palabras. Un poco más tarde, a esa labor de reconstrucción se añadió otro grupo de obras que eran, por así decirlo, comentarios en forma de escultura sobre el trabajo de algunas figuras clave en la historia de la arquitectura y el diseño modernos. Así, a la formalización "natural" que las cosas y las personas adoptan en el seno de una cultura vernácula, se opondría este otro momento de la historia del arte en el que todo objeto es ya una creación deliberada y artificiosa. Esta exposición trata sobre lo otro, sobre aquello que nos aventaja en barbarie o en refinamiento. También sobre la nostalgia del oficio. Y, acaso, sobre el trabajo manual, preciso y exigente hasta el exceso, como forma de asumir un destino.


MIKI LEAL. El rincón de Tom, 2013. Acrílico y acuarela sobre papel, 152 x 220 cm
Miki Leal. Plato combinado
30 de octubre de 2013 - 2 de febrero de 2014

Más allá de una exhibición de obra última, esta exposición de Miki Leal (Sevilla, 1974) se plantea como un proyecto de mayor hondura donde aparecen elementos inéditos relacionados con la memoria personal y algunas cuestiones fundamentales de su vida. Esta reflexión sobre sí mismo ha avivado evocaciones de su infancia y recuerdos íntimos, una búsqueda del origen de su condición artística que indaga de manera intuitiva en las raíces de aquello que lo constituye y determina como creador. El punto de partida es la recuperación de sensaciones relacionados con la felicidad de la niñez, interpretando a su modo algunos objetos de ese primer hogar y otras huellas profundas que han permanecido latentes en su interior. Unos de los aspectos más novedosos de Plato combinado es la inclusión de pequeños bodegones realizados con barro cocido, El artista nunca antes había empleado la cerámica, un material que es fácil vincular a la particular personalidad del museo, primero monasterio cartujo y posteriormente fábrica de loza. Asimismo, para este proyecto realizará varias intervenciones específicas en el edificio y concebirá junto a Cristóbal Quintero una instalación pensada ex profeso para la Capilla de Afuera.


SYLVIA SLEIGH. Paul Rosano Reclining (Paul Rosano recostado), 1974. Óleo sobre lienzo. 137,2 x 198,1 cm. © The Estate of Sylvia Sleigh
Sylvia Sleigh. La mirada inoportuna
27 de septiembre de 2013 - 12 de enero de 2014

Fiel a la pintura figurativa toda su vida, Sylvia Sleigh (Gales, 1916 - Nueva York, 2010) se convirtió en una pieza importante de la escena feminista neoyorquina durante la década de los 70. Despojando a la pintura de la rigidez de una mirada eminentemente masculina y estableciendo un diálogo entre lo contemporáneo y la tradición pictórica europea, retrató al mundo del arte al completo: críticos, coleccionistas, artistas, hombres y mujeres, travestidos y desnudos. Su aproximación es de carácter marcadamente sensual y sexual, y da mucha importancia a los detalles, creando composiciones a menudo cargadas. Estrategias como éstas fueron fundamentales en la construcción de una nueva historia de la representación que se hizo eco de los importantes cambios acaecidos en su época. Sin embargo, su papel no se ha valorado debidamente hasta hace poco, cuando exposiciones como WACK! Art and the Feminist Revolution, organizada por el MoCA en 2007, han puesto en valor su figura.


GUILLERMO PÉREZ VILLALTA. Autorretrato por la mañana, 1973. Acrílico sobre madera. 120 x 100 cm
Souvenir de la vida. El legado de Guillermo Pérez Villalta
12 de julio de 2013 - 12 de enero de 2014

Desde el comienzo de su carrera, hace más de cuarenta años, Guillermo Pérez Villalta ha mantenido la norma de reservar para sí mismo alguna de las piezas más significativas expuesta en cada una de sus exposiciones, bien por su valor sentimental o por la importancia que el artista les otorgaba dentro de su trayectoria. El resultado ha sido que, más allá de la habitual acumulación dispersa de piezas propias, habitual en el estudio de los artistas de tan dilatada carrera, Villalta resulta ser su mejor coleccionista, poseyendo la más completa y esclarecedora colección que existe sobre su trabajo. Souvenir de la vida es la presentación pública de parte de ese legado, que permite al visitante atisbar la importancia artística de lo reunido durante tantos años junto a otros elementos de la vida privada del autor, indisociables para entender la dimensión última de su poética.



Sesión
ACCIÓN RODEO: PERIFERIAS CONCEPTUALES

Ángel González habló de “acción rodeo” al referirse a la práctica de algunos artistas que se enfrentaban de una manera no directa a cierta tradición conceptual. Frente al realizado en Barcelona, que podría ser calificado como más ortodoxo, el que tenía como principal foco de acción a Madrid se caracterizaba por esa aproximación más heterodoxa. Nacho Criado, un artista andaluz que fue decisivo en esa escena de la capital del Estado, bien podría caracterizar esa forma de hacer.

Como en las maniobras de aproximación en un aterrizaje, trazar círculos hasta descender y tomar tierra podría ser una táctica adecuada. Si a ello sumamos la segunda parte del título de esta sesión expositiva, se comprenderá mejor la intención de acercarse a las prácticas conceptuales, tan decisivas en el devenir del arte contemporáneo, o bien dando un rodeo o bien tangencialmente. Las periferias conceptuales que aquí interesan son tanto geográficas, como de aquellas ideas no centrales que este movimiento desarrolló desde sus inicios.

Esa tendencia que aquí se busca de ir hacia los márgenes del mapa bien pudiera ser simbolizada por dos muestras individuales que componen esta sesión expositiva. Por un lado, la del ya citado Nacho Criado, no sólo por su condición de periférico respecto a los principales centros artísticos internacionales, sino también por cómo abordó esas prácticas tempranamente en el panorama artístico español. Por otro, la artista chilena Lotty Rosenfeld une a la geografía su rebelión frente a cuestiones políticas y de género. Además, son tangenciales por distintos motivos a las prácticas conceptuales los artistas Agnès Varda y Ai Weiwei. Por último, las dos colectivas –realizadas a partir de obras de la colección del CAAC– se inspiran en el libro de Simón Marchán, recientemente reeditado, titulado Del arte objetual al arte de concepto.



Valie Export. Configuration with Red Hand (Configuración con mano roja), 1972. Fotografía, 55,5 x 78,5 cm
Arte de comportamiento e imágenes sociales del cuerpo
17 de mayo - 6 de octubre / 24 de noviembre de 2013

A través de más de dos centenares de obras de la colección permanente del CAAC, esta exposición indaga en dos de las principales líneas de desarrollo del arte de acción: el arte de comportamiento, centrado en el análisis de las formas de relación individual y social; y el body art que nació como desarrollo del anterior y abarca gran cantidad de manifestaciones artísticas relacionadas con el cuerpo. La muestra incluye desde trabajos de algunos de los protagonistas históricos de estas tendencias -Valie Export, Marta Minujín, Bruce Nauman o Rudolf Schwarzkogler- hasta obras de artistas más recientes y en las que perviven referencias al arte de comportamiento o al cuerpo como espacio de investigación social. A todos ellos se une una nutrida presencia de artistas andaluces que, en las últimas décadas, han continuado explorando cómo el cuerpo es un lugar propicio desde el que indagar en las secuelas del poder y ahondar las grietas que en él produce la alteridad.



Lotty Rosenfeld. No +, 1983
Lotty Rosenfeld. Por una poética de la rebeldía
8 de marzo - 21 de julio de 2013

A finales de los años 70, Chile era un país bajo una dictadura militar. Este contexto proporcionó a Lotty Rosenfeld gran cantidad de material para crear un arte que trascendiese los límites de su represiva realidad. Al abordar la complejidad de la vida cotidiana de su país sin reproducirla, Rosenfeld lleva a su público a esa oposición que ella siente hacia todas aquellas situaciones que violan los derechos humanos, sin importar si vienen dictadas por generales crueles o determinadas por las maniobras de una economía de mercado. Por una poética de la rebeldía nos acerca al trabajo realizado por esta artista entre 1979 y 2013, incluyendo una nueva versión de una de sus obras más emblemáticas, Una milla de cruces sobre el pavimento, acción que ha llevado a cabo en espacios muy distantes y diferentes, aunque dotados siempre de una gran carga simbólica (desde el Palacio de la Moneda de Santiago de Chile a las inmediaciones de la Casa Blanca en Washington, pasando por la Plaza de la Revolución en La Habana o el Muro de Berlín). Esta exposición abarca, por tanto, más de 30 años de práctica artística rigurosa y explora cómo el arte y las perspectivas sociales pueden crear contextos en los que el arte y la estética se unen fuera del canon tradicional.


Ai Weiwei. Descending Light (Luz bajando), 2007. Vista de la instalación en el CAAC
Ai Weiwei. Resistencia y tradición
1 de febrero - 23 de junio de 2013

Las diferentes manifestaciones comprendidas dentro de la estética de la resistencia han construido diversas vías de conocimiento en los desarrollos artísticos de las últimas décadas. Ai Weiwei podría singularizar una de las vertientes de esta estética entendida en un sentido no muy lejano a lo que Hal Foster definió como postmodernismo de resistencia: aquel que piensa políticamente las cuestiones referidas al lenguaje y a la representación. Para situarse ante su obra, es necesario ser conscientes del tiempo y del espacio en los que se produce: el tiempo del capitalismo de Estado en el profundo cambio geopolítico en China durante las últimas décadas. La gran mayoría de sus trabajos participan de ese tiempo político y de ese espacio cultural y, al igual que ellos, están en continua y vertiginosa trasformación. Esta es una sus características: utilizar y pervertir la tradición cultural china y la artística occidental como actos de resistencia política, para los que se vale de todas aquellas herramientas que le son útiles, a las que une como singularidad la rapidez en el empleo de las redes sociales. La exposición de Ai Weiwei en el CAAC parte culturalmente de un tiempo y un espacio concretos: por un lado, nuestra contemporaneidad; por otro, nuestro propio espacio físico, el antiguo monasterio cartujo unido a la expansión colonial, que en el siglo XIX se transformó en fábrica de loza y porcelana china. Por este motivo, la muestra tiene como protagonistas sus trabajos cerámicos, en un intento de comprender lo que Roger Buergel denominó en documenta12 -en la que participó activamente Ai Weiwei- como migración de las formas.


NACHO CRIADO, B.T. Desértico, 1994
Nacho Criado. Agentes colaboradores
4 de diciembre de 2012 - 21 de abril de 2013

Pionero del arte experimental español, Nacho Criado analiza en su obra el comportamiento material y la evolución física del objeto, sus aspectos procesuales y espaciales. Partiendo en la década de los 60 de principios formales minimalistas, evoluciona después hacia el empleo de materiales pobres y desechados de marcado carácter povera. Paralelamente desarrolla un profundo interés por lo conceptual, interrogándose por cuestiones como la relación entre la idea y su materialización formal, el paso del tiempo, la identidad o la condición híbrida de la práctica artística. El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la primera retrospectiva de este artista andaluz en su tierra, mostrando la variedad de medios y prácticas artísticas que utilizó. El título de la exposición surge de una declaración en la que Criado hablaba de la mínima incidencia del artista en la producción de su obra, lo que permitiría que el resto de los elementos del mundo la completaran a modo de agentes colaboradores. Una convicción que mantiene sus piezas como un elemento vivo, terminado como objeto pero inacabado como obra de arte.


AGNÈS VARDA. Bord de Mer [Orilla del mar], 2009. Fotografía proyectada, video 1’, arena, 3,6 x 4,8 m
Las dos orillas de Agnès Varda
30 de octubre de 2012 - 7 de abril de 2013

Las dos orillas de Agnès Varda bien pudieran ser el cinéma-verité y la nouvelle vague. Los años 60, en cualquier caso, con el foco puesto en la oposición entre lo teatralizado y lo no-teatralizado. También los convencionalismos de la sala de cine y de la sala de exposición. En ambas están las huellas de la artista, sus pisadas como registro del transitar por esas playas. Por eso su exposición en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo las tiene como puntos de referencia inclusiva: instalaciones visuales, pero también películas; obras recientes las primeras, trabajos de los años 60 y 70 las segundas. Chrissie Iles ha reflexionado, precisamente, sobre cómo en esos años se produce un desplazamiento de la imagen fija a la imagen en movimiento en la producción artística, al mismo tiempo que se cuestiona la sala de cine como espacio rígido donde el espectador tiene una única posición, generándose un cambio radical en su mirada, que ya no puede ser únicamente frontal, como en el teatro a la italiana. Y esto lo retoma Varda cuando en los años 2000 inicia lo que se podría denominar como su producción museística partiendo de dispositivos artísticos del pasado que, con una nueva mirada y la inclusión de la imagen en movimiento, son renovados.


ALLEN RUPPERSBERG. The New Five Foot Shelf, 2001. El nuevo estante de metro y medio. Instalación con fotografías, libros y carteles. Medidas variables. COLECCIÓN CAAC
Ondas en expansión: derivas del conceptual lingüístico
20 de noviembre de 2012 - 17 de febrero de 2013

El conceptual lingüístico ha sido tradicionalmente considerado como el núcleo duro del arte conceptual, que ha tenido a Joseph Kosuth y a Art & Language como principales exponentes. El arte como idea y el lenguaje como materia del arte podrían ser dos de sus máximas. Esta exposición, organizada mediante una selección de los fondos de la colección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, intenta indagar en cómo estas propuestas y proposiciones se han ido ampliando tanto por parte de sus protagonistas, como retomadas desde diferentes ópticas por sucesivas generaciones de artistas hasta la actualidad. Como una gota que cae en una superficie de agua, las ondas expansivas que el conceptual lingüístico provocó desde mediados de los años 60 del pasado siglo no han dejado de ir ampliando su campo de acción, diluyéndose e integrando a su paso otros aspectos, como pueden ser la poesía visual, la canción como cuestionamiento del lenguaje y de la acción social, el libro, la biblioteca, las prácticas de archivo, la escritura, los textos y su ocultación… Estas diferentes ondas van conformando en esta muestra un recorrido a modo de deriva por estos círculos concéntricos.



Sesión
ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA

En 1964 el influyente crítico de arte norteamericano Clement Greenberg organizó una exposición en Los Ángeles County Museum of Art que tituló Abstracción postpictórica. En ella participaron numerosos artistas reunidos con la intención de señalar una vía distinta al expresionismo abstracto que había dominado el arte norteamericano de las décadas de los 40 y 50. Aunque la exposición fue muy dispar, su título tuvo fortuna y aún hoy sigue utilizándose para señalar toda una serie de experiencias que tuvieron lugar en las décadas de los 60 y 70, entre las que se incluyen los "campos de color" y la pintura de "borde duro".

Greenberg, en el texto del catálogo de esa exposición, señalaba como características principales de esta corriente la claridad y la apertura, destacadas en oposición al expresionismo abstracto (con su gestualidad y densidad), aunque como él mismo se encargaba de señalar, "no se trata de repudiar sus mejores logros" ya que muchos aprendieron y evolucionaron desde ahí. Pintura franca, por tanto, donde el color y lo pictórico priman frente a cualquier otra consideración, ya fuera esta de orden interpretativo o simbólico.

Recuperar el título de 1964 para esta sesión expositiva del CAAC busca no sólo traer a la actualidad un término que merece la pena ser recordado por su influencia en la producción artística andaluza desde entonces y que la colección de esta institución ha sabido incorporar y estudiar, sino también señalar que literalmente ha existido una abstracción postpictórica, que ha ido más allá de la pintura en sí y que ha expandido lo pictórico abstracto a otros ámbitos, como por ejemplo el vídeo y el cine de exposición.


USCO. Strobe Room (Sala estroboscópica). 1967/2012. Luz estroboscópica, tejido mylar, suelo multicolor teñido, música (detalle). Dimensiones variables. Cortesía de Intermedia Foundation
Abstracción y movimiento
12 de julio - 11 de noviembre de 2012

En las artes visuales del siglo XX se produjeron dos grandes logros artísticos que han supuesto una revolución similar a la que supuso la perspectiva en el Renacimiento. El primero, reconocido en las historiografías del arte, es la abstracción. El segundo es el movimiento, sólo más recientemente valorado, por medio del cine expandido, los filmes experimentales y el vídeo, pero también a través de la serialidad, las instalaciones, la pintura óptica, la animación y otros nuevos medios. Esta amplia exposición intenta conjugar estos dos grandes logros para estudiar un fenómeno característico, la abstracción y el movimiento, que ha tenido tres momentos históricos fuertes: los años 20 y 30, los años 60 y 70 y la actualidad (aproximadamente los últimos diez años), siendo los dos últimos períodos los que son aquí tratados. El proyecto expositivo en sí se divide en dos muestras que se superponen una en otra. Por un lado, la colección del CAAC en relación a su eje relacionado con la abstracción pictórica. Por otro, una exposición temporal centrada en la abstracción en movimiento. Ambas comparten el mismo espacio, alternándose, relacionándose entre sí y, en otras ocasiones, estableciendo oposiciones.


Vista de sala de la exposición Paloma Gámez. Violeta. Fotografía: Guillermo Mendo
Paloma Gámez. Violeta
12 de julio - 21 de octubre de 2012

La serie de trabajos que Paloma Gámez (Bailén, Jaén, 1964) ha realizado expresamente para el CAAC con el título Violeta, remite directamente a otras dos series de pinturas, Verde y Rojo que, desde la abstracción, y a través de una meticulosa y personal investigación sobre el color y el espacio, la artista ha ido desarrollando a lo largo de los últimos años. Violeta propone un recorrido por diferentes espacios a través de cinco trabajos conectados entre sí y realizados con técnicas distintas: vídeo, impresión sobre papel, acrílico sobre tela y pintura sobre pared, finalizando con la invitación de la artista a acercarnos a la biblioteca del centro, en cuyo lucernario ha realizado una intervención con los mismos planos de color que se repiten en las salas. En la muestra, Paloma Gámez hace un uso crítico del espacio expositivo y arquitectónico, involucrando al espectador en una experiencia sensorial a través de la luz, del color y del espacio.


Vista de sala de la exposición "Separata. Literatura, arte y pensamiento". Fotograf´çia: Guillermo Mendo
Separata. Literatura, arte y pensamiento
21 de junio - 14 de octubre de 2012

En enero de 1979, en plena Transición política española, nació en Sevilla Separata, una revista de literatura, arte y pensamiento. De carácter multidisciplinar y sin presupuestos ideológicos o estéticos previos, su pretensión era la vuelta a la unión de la cultura y se regía exclusivamente por criterios de calidad. La idea era profundizar en el fenómeno cultural, buscando referencias en la historia, a través de ensayos sobre filosofía, arquitectura, literatura, música y arte, a cargo de prestigiosos profesionales y artistas nacionales e internacionales. Con una austera presentación (José Ramón Sierra diseña la maqueta y las sobrecubiertas y Roberto Luna y Juan Suárez llevan a cabo el diseño gráfico), la revista integraba textos teóricos, poesía y dibujos inéditos de artistas contemporáneos. A lo largo de los seis números aparecidos antes de su disolución en 1981, Separata puso de relieve lo más destacado de la escena cultural española, abriendo paso a la década de los 80. Esta muestra ofrece una selección del extenso archivo de Separata, recientemente donado al CAAC.


Ruth Morán. Piscografías. Papel, temple vinilico y rotulador  de tinta. 200 x 152 cmRuth Morán. Psicografías
21 de junio - 7 de octubre de 2012

La serie de obras que Ruth Morán (Badajoz, 1976) presenta en esta exposición han sido realizadas recientemente en su estancia en la Academia de España en Roma. La muestra está integrada por pinturas de temple vinílico y rotulador, todas de las mismas dimensiones, de idéntico fondo negro opaco, contra el que emergen flotantes y estratificadas composiciones blancas. El título de la serie, Psicografías, literalmente descripción de las facultades del alma, podría dar claves para entender el complejo mundo que construye Ruth Morán desde diferentes vertientes de la abstracción. Deudora de la tradición gestual de la llamada action painting, la artista afirma que trabaja desde el binomio de la emoción y la razón, algo que sintetiza en la superficie pictórica de sus obras en donde caos y orden alcanzan un perfecto equilibrio.



José Piñar. Remasterizaciones y Grandes éxitos
José Piñar. Remasterizaciones y grandes éxitos
21 de junio - 7 de octubre de 2012

Tomando como punto de partida dos términos específicos de la industria de la música popular, remasterizaciones y grandes éxitos, ambos ligados a la reedición y revisión de obras del pasado, José Piñar (Granada, 1967) aborda desde el campo artístico una profunda reflexión sobre su obra producida a lo largo de los últimos 20 años. En esta exposición Piñar retoma trabajos del pasado y hace nuevas interpretaciones en gran formato de aquéllos fragmentos o imágenes que se fueron convirtiendo para él en hitos, dentro del continuo de su producción, siempre ligada a la abstracción. La instalación titulada irónicamente Grandes Éxitos, siguiendo con el símil musical, comprende una aglomeración de pinturas de diferentes años que José Piñar guarda en stock en su estudio. La amalgama de obras deja entrever bandas de colores superpuestas al azar en complejas composiciones espaciales que bien pudieran transmitirnos sentimientos encontrados del artista ante el acto creativo y la lucha por la supervivencia.


JOSÉ SOTO. Negro y rojo sobre blanco. Espacio continuo en diagonal, 2012. Acrílicos sobre madera, 200 x 600 x 50 cm. Cortesía del artista
José Soto. Campos de color
31 de mayo - 30 de septiembre de 2012

La pintura de José Soto conecta con la abstracción iniciada en Nueva York a fines de los años cuarenta, especialmente con la llamada color-field painting o pintura de campos de color, tal como la entendió sobre todo Barnett Newman. Con él comparte inquietudes relativas al color y al espacio pictórico, y sobre todo un afán: que la pintura se represente a sí misma sin pretender describir, narrar o expresar. Soto recurre al lenguaje de la línea y el plano pero evitando que el rigor geométrico cercene el ritmo. Crea espacios frontales, sin jerarquía, en los que la exactitud convive tensa con el dinamismo y a ello coopera eficazmente el color. En un sostenido diálogo con la pintura, busca matices inusuales: colores que desafían al nombre y que alternativamente hacen avanzar la superficie del cuadro o la remansan en profundidad. Su trabajo tenía pendiente un reto: la escala, el formato capaz de envolver al espectador, en dos o tres dimensiones. A este reto responde la obra reciente que se expone en esta muestra.


Sesión
ACUMULACIONES DE MEMORIA

Lo fantasmático -como representación mental imaginaria- bien pudiera deberse a acumulaciones de memoria. La concentración de historia -y por tanto también de sucesos- en torno a La Cartuja de Sevilla, provoca que la casa del CAAC esté poblada de espectros que nos hablan desde el pasado. Estas fantasmagorías tienen diversas procedencias, según correspondan a un momento u otro. En el caso de la actual sesión expositiva, las acumulaciones de memoria que han condicionado y provocado diversas apariciones bien pudieran estar relacionadas con diversos sucesos traumáticos. Hechos que tuvieron lugar aquí hace siglos, cuando el monasterio y la ciudad de Sevilla fueron un importante centro de concentración de dominación religiosa, cultural y, sobre todo, económica en relación con los territorios colonizados más allá del Atlántico.

Las diversas exposiciones y actividades de la sesión Acumulaciones de memoria abordan estos temas desde diversos ángulos y aproximaciones. La exposición de media carrera de Rafael Agredano tiene a la memoria de un lugar y a personajes conocidos de la cultura andaluza ya desaparecidos como inicio y fin de su recorrido. Maryam Jafri trabaja, entre otras cuestiones, sobre el momento justamente posterior a la independencia colonial. Mientras Catarina Simão investiga, mediante prácticas de archivo, sobre el papel del cine en el Mozambique postcolonial. Por su parte, Fiona Tan nos habla de viajes relacionados con la memoria, el tiempo y el colonialismo, por medio de determinadas representaciones. Por último, La idea de América Latina -como exposición colectiva- no sólo hace referencia a la "herida colonial" y al vínculo con ella de la historia de La Cartuja, sino también a la construcción de un imaginario cultural y geográfico como herencia del colonialismo.


LEANDRO KATZ (Buenos Aires, Argentina, 1938). Proyecto Catherwood, 1985 (fecha original) - 2012 (fecha de impresión). Uxmal. Casa de las Palomas, 1993-2012. Fotografía b/n. 40,5 x 50,8 cm. Cortesía del artista y de la Galería Henrique Faria Fine Art
La idea de América Latina
19 de abril - 24 de junio de 2012

La idea de América Latina es una exposición que busca indagar en un concepto geográfico y mental basado en la expansión colonial europea a partir de las ideas vertidas en el ensayo de Walter D. Mignolo del que toma su título. La razón principal de organizar esta muestra parte del lugar desde el que se piensa el proyecto expositivo: el Monasterio de la Cartuja -donde estuvo enterrado Cristóbal Colón y desde donde preparó su segundo viaje a América- y, como marco más general, Sevilla -una ciudad clave en el inicio del colonialismo europeo de la Edad Moderna y que estableció fuertes vínculos de dominación comercial y cultural con ese "nuevo continente". El viaje como forma de unión y conocimiento, el pasado precolonial revisitado y reinterpretado, las reacciones frente a colonialismos más recientes procedentes del Norte y la concepción del continente entero y su partición en dos como resultado de las diferentes herencias imperiales europeas, son algunas de las motivaciones que los artistas reunidos en este proyecto han desarrollado.


FIONA TAN. West Pier IV, 2006 [Muelle Oeste IV]. Fotografía, 75 x 96 cm. Cortesía de la artista y Frith Street Gallery, LondresFiona Tan. Punto de partida
22 de marzo - 24 de junio 2012

La obra de Fiona Tan analiza la relación entre memoria, tiempo e historia. La artista, que ha participado en importantes exposiciones internacionales como la 11 Documenta de Kassel y las Bienales de São Paulo, Estambul, Sidney o Yokohama, intenta que sus trabajos dialoguen críticamente con los espacios y arquitecturas en los que se presentan, en este caso el Monasterio de La Cartuja de Sevilla, un lugar que jugó un papel fundamental en la expansión colonial europea, pues fue aquí donde Cristóbal Colón preparó su segundo viaje a América. En sus propuestas, Fiona Tan explora los mecanismos que determinan nuestra manera de interpretar las representaciones de los demás y trata de desvelar lo que hay detrás, y también más allá, de los límites de la imagen. En esta exposición -que se estructura en torno a tres grandes vídeo-instalaciones: A Lapse of Memory (Un lapso de memoria), News from the Near Future (Noticias del futuro cercano) y Thin Cities (Ciudades diluidas)- el hilo conductor es la idea de hacer un viaje –como viajero o como inmigrante– en el tiempo o en el espacio.


MARYAM JAFRI. Independence Day 1936 - 1967. Saludando a la nueva bandera, 12 de diciembre 1963 KeniaMaryam Jafri. Sombras coloniales
23 de Febrero - 17 de Junio 2012

El interés de Maryam Jafri por las relaciones coloniales y postcoloniales viene acompañado de una investigación basada en un enfoque interdisciplinar que aúna cine y teatro, guión y documento. Jafri aborda el papel que juega la historia tanto en el desarrollo de la conciencia nacional, como en la creación de la identidad individual y personal, analizando las fronteras entre hecho y ficción, entre historia y mitología. Su modo de proceder nunca pretende ser moralizador, sino rechazar, de forma analítica y abierta, la mirada colonial. La autora descubre los momentos políticos actuales en la historia documentada en las imágenes e introduce un proceso de percepción que también comienza a cuestionar de forma crítica las políticas de representación de hoy en día.


Catarina Simão. Off screen project. Extracto del vídeo Negativo, substantivo, 2010
Catarina Simão. Fuera de campo - archivo de cine de Mozambique
23 de Febrero - 3 de Junio 2012

En su proyecto Fuera de campo - archivo de cine de Mozambique, que se inició en 2009 y ha sido presentado en instituciones artísticas y seminarios en Lisboa, Oporto, Maputo, Viena, Londres, París, Barcelona, Ámsterdam y Murcia, Catarina Simão (1972) intenta alinear las narrativas de diferentes formas de condición post-colonial desde la premisa de que sólo a partir de la acumulación puede iniciarse una nueva topología de la imagen: la que emerge del equilibrio creado como respuesta al inevitable fracaso de la recuperación de una versión unívoca de los hechos. Su objetivo no es mostrar las actas históricas del cine de propaganda socialista en Mozambique, sino evocar, a partir de este fracaso inicial, una nueva forma de socialismo, la que resulta del montaje de diferentes propuestas de lo real en un mismo plano de comienzo. Una fórmula que rechaza la resolución de conflictos y se abre a las paradojas convocadas por la memoria codificada a través de las imágenes.


RAFAEL AGREDANO. Escenas pastorales del sur galante XIII, 2006. Fotografía (Cibachrome) color. 80 x 108 cm. Cortesía de La Caja China Galería de Arte
Rafael Agredano. Prólogos
26 de Enero - 13 de Mayo 2012


Miembro del denominado "grupo de Sevilla", Rafael Agredano (Córdoba, 1955), ha sido protagonista de las manifestaciones culturales y contraculturales acaecidas en el Estado español y especialmente en Andalucía, en las últimas décadas, pero sobre todo durante los efervescentes años ochenta. Prólogos -su primera exposición individual en un museo-, presenta una serie de obras en las que se pueden encontrar todas las claves de su poética y de su actitud combativa. Son trabajos que abordan cuestiones sobre la memoria -las memorias-, y que por tanto involucran silencios y gestos, recuerdos y olvidos y que, como su propio título indica, desean ser el inicio de otras muchas que debieran venir…


 

 


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